 |
| Gustav Klimt, Portrait Adele Bloch-Bauer (1907) |
Ο Gustav Klimt έκανε το χρυσό μοντέρνο.
Στο γύρισμα του 20ου αιώνα, ο Βιεννέζος καλλιτέχνης μαγνήτισε την προσοχή του κοινού με τις σκοτεινές του απεικονίσεις γυναικών (και περιστασιακά ανδρών) τις οποίες κοσμούσε με άφθονες ποσότητες φύλλων χρυσού. Αυτά τα οράματα - που ήταν αισθησιακά και συχνά ερωτικά, με αστραφτερά φόντο - άλλαξαν την πορεία της τέχνης του 20ού αιώνα.
Το πιο διάσημο από αυτά ήταν το αριστούργημά του, Το Φιλί (1907–08) (που ο καλλιτέχνης ονομάζει The Lovers), το οποίο απεικονίζει έναν άνδρα και μια γυναίκα να αγκαλιάζονται, τα σώματά τους διαλυμένα σε χρυσές αφαιρέσεις, σε μια στιγμή υπέρβασης. Έχει γίνει το σύμβολο της περίφημης «Χρυσής Φάσης» του καλλιτέχνη, μιας εποχή δουλειάς όπου διακοσμητικά φύλλα χρυσού εμφανίζονταν περίοπτα στους καμβάδες του. Το Pallas Athene, από το 1898, θεωρείται το αρχαιότερο έργο αυτής της περιόδου, το οποίο ο καλλιτέχνης συνέχισε μέχρι το 1909. Σε αυτόν τον πίνακα, η Ελληνίδα θεά Αθηνά εμφανίζεται με χρυσή πανοπλία με ένα επιβλητικό βλέμμα. Με το φύλλο χρυσού απλωμένο στο φόντο και την πανοπλία της, ο πίνακας υπαινίσσεται την ασώματη και μεγαλειώδη ομορφιά των μεταγενέστερων έργων του Klimt, ενώ εξακολουθεί να προσαρμόζεται στο παλαιότερο ρεαλιστικό του στυλ.
Μια αισθητική εξέγερση, με φύλλα χρυσού
Προς έκπληξη πολλών, αυτά τα χρυσαφένια έργα αποτελούν μόνο ένα μικρό κλάσμα του έργου του καλλιτέχνη. Ιδρυτής του Vienna Secession, ενός καλλιτεχνικού κινήματος στενά ευθυγραμμισμένου με την Art Nouveau στη Γαλλία, ο Klimt επαναστάτησε ενάντια στη στασιμότητα των παραδοσιακών στυλ και αγκάλιασε τις διεπιστημονικές επιρροές. Σε όλη τη σχετικά σύντομη ζωή του (πέθανε στα 55 του από τις επιπτώσεις της ισπανικής γρίπης), ήταν παραγωγικός και σχεδίαζε καθημερινά. περισσότερα από 4.000 σχέδιά του σώζονται σήμερα. Ζωγράφισε πάνω από 200 πίνακες, πιστεύεται, από τους οποίους είναι γνωστοί πάνω από 160.
 |
| Gustav Klimt, Life is a Struggle (The Golden Knight) (1903) |
Οι απεικονίσεις πανοπλίας έγιναν ένας τρόπος με τον οποίο ο Κλιμτ εισήγαγε χρυσό στους καμβάδες του. Το 1902 και ξανά το 1903, ζωγράφισε έναν ιππότη με χρυσή πανοπλία, πρώτα στη διάσημη «Ζωφόρο του Μπετόβεν», που παρουσιάστηκε στο κοινό το 1902 για την 14η έκθεση Secession, ακολουθούμενη από τον πίνακα του Life is a Struggle (The Golden Knight) το 1903 που απεικονίζει έναν ιππότη να καβαλάει ένα σκοτεινό άλογο. Αλλά τα ίδια αυτά χρόνια, ο Klimt χρησιμοποίησε το χρυσό γενναιόδωρα και δημιουργικά, στολίζοντας το φόντο του και διακοσμώντας τις φιγούρες του με φύλλα χρυσού και χρωματισμούς, δημιουργώντας περίπλοκα διακοσμητικά μοτίβα.
Τι ακριβώς κρυβόταν όμως πίσω από τον δεκαετή έρωτα του Klimt με τον χρυσό; Αποδεικνύεται ότι οι εμπνεύσεις του ήταν πιο ποικίλες και σκόπιμες από ό,τι θα περίμενε κανείς.
 |
| Gustav Klimt, Pallas Athene (1898). Ευγενική προσφορά του Μουσείου της Βιέννης. Φωτογραφία: Birgit und Peter Kainz. |
Η χρυσοχοΐα ήταν η οικογενειακή επιχείρηση Klimt
Ο Gustav Klimt γεννήθηκε το 1862, το δεύτερο από τα πέντε παιδιά σε μια δημιουργικά προσανατολισμένη οικογένεια. Η μητέρα του, Anna Klimt (το γένος Finster), είχε ανεκπλήρωτα όνειρα για μια ζωή ως μουσικός ερμηνευτής. Ο πατέρας του, Ernst Klimt, ήταν χρυσοχόος και χαράκτης. Σίγουρα, η επιδεξιότητα του Klimt με τον χρυσό και η εκτίμησή του για τις λεγόμενες διακοσμητικές τέχνες τροφοδοτήθηκαν από το οικογενειακό του νοικοκυριό. Όπως και ο Botticelli, ο οποίος ξεκίνησε την καριέρα του στη χρυσοχοΐα και συνέχισε να κοσμεί τους καμβάδες του με χρυσό, ο Klimt αγκάλιασε το υλικό για την ομορφιά και τον συμβολισμό του.
Ο Gustav δεν ήταν ούτε το μόνο παιδί στην οικογένεια Klimt με καλλιτεχνικές τάσεις. Ο μικρότερος αδερφός του, ονόματι επίσης Ernst, έγινε ιστορικός ζωγράφος και ζωγράφος διακόσμησης. Ο Gustav, του οποίου τα προηγούμενα έργα ήταν σε μια πιο ρεαλιστική παράδοση, σχημάτισε μια εταιρεία με τον μικρότερο αδερφό του και έναν φίλο για να αναλάβουν παραγγελίες.
Gustav Klimt, Portrait of Emilie Flöge (1902). Ευγενική προσφορά του Μουσείου της Βιέννης. Φωτογραφία: Birgit und Peter Kainz.
Αργότερα στη ζωή, ο Gustav θα δούλευε με τον μικρότερο αδερφό του Georg, έναν χαράκτη και μεταλλουργό, επίσης. Ο Georg δημιούργησε κυρίως τις πόρτες του φημισμένου κτιρίου Secession της Βιέννης το 1897. Κατά καιρούς ο μεγαλύτερος Klimt παρήγγειλε κουφώματα στον μικρότερο αδελφό του, όπως συμβαίνει με το χρυσό πλαίσιο που περιβάλλει το Pallas Athena (1898). Αυτές οι συνεργασίες υπογράμμισαν τον ενθουσιασμό του Klimt για τις διακοσμητικές τέχνες, το πάθος του για τον χρυσό και τους διαρκείς οικογενειακούς δεσμούς που διαμόρφωσαν τα έργα του.
Gustav Klimt, Το φιλί (1907). Φωτογραφία από DeAgostini/Getty Images); Βιέννη, Österreichischer Galerie Belvedere (Πινακοθήκη Τέχνης). Φωτογραφία από DeAgostini/Getty Images.
Το Ιερό και το Βέβηλο
Ο Klimt είχε μια παμφάγα καλλιτεχνική εκτίμηση, που αγκάλιαζε την επιπεδότητα των ιαπωνικών εκτυπώσεων, τα μοτίβα της αιγυπτιακής μυθολογίας και τον μοντερνισμό των ιμπρεσιονιστών.
Όσον αφορά το πάθος του για τον χρυσό, η θρησκευτική εικονογραφία της βυζαντινής εποχής ήρθε στο προσκήνιο. Το 1903, ο Klimt έκανε κομβικά ταξίδια στη Βενετία και (δύο φορές) στη Ραβέννα της Ιταλίας. Ο καλλιτέχνης έγραψε στη ρομαντική σύντροφό του Emilie Flöge ότι θεωρούσε τα λαμπερά μωσαϊκά της Ραβέννας «απίστευτα εκπληκτικά», συμπεριλαμβανομένων των διάσημων απεικονίσεων του αυτοκράτορα και της αυτοκράτειρας Ιουστινιανού και της Θεοδώρας. Οι ιστορικοί τέχνης έχουν βρει συνθετικούς παραλληλισμούς μεταξύ του βασιλικού πορτρέτου του Klimt της Βιεννέζας Adele Bloch-Bauer και της μακραίωνης απόδοσης της βυζαντινής αυτοκράτειρας Θεοδώρας.
Η αυτοκράτειρα Θεοδώρα και η ακολουθία της, Βυζαντινό μωσαϊκό στην αψίδα της Βασιλικής του San Vitale (Μνημείο Παγκόσμιας Κληρονομιάς της UNESCO, 1996), Ραβέννα, Εμίλια-Ρομάνια, Ιταλία, 6ος αιώνας.
Στα βυζαντινά ψηφιδωτά και τις εικόνες, ο χρυσός σηματοδοτούσε ένα αιώνιο βασίλειο, που υπήρχε πέρα από τον χρόνο και κορεσμένο από θεϊκό φως. Οι πεπλατυσμένες, διάφανες φιγούρες σε αυτά τα έργα τέχνης συμβόλιζαν την εξωσωματική εμπειρία της θρησκευτικής υπέρβασης. Ο Klimt χρησιμοποιεί τον χρυσό για να δημιουργήσει μια παρόμοια αίσθηση του διαχρονικού απείρου. Τα φόντο της Χρυσής Περιόδου του είναι διάσπαρτα με αστραφτερές κηλίδες χρυσού, αλλά και ασήμι και πλατίνα, δημιουργώντας ένα σκηνικό σχεδόν κοσμικής εμφάνισης για τις σκηνές του.
Αλλά ενώ η χρήση του χρυσού από τον Klimt σηματοδοτούσε μια αίσθηση έκστασης, ήταν αυτή των επίγειων, παρά των ουράνιων απολαύσεων. «Όλη η τέχνη είναι ερωτική», έγραψε κάποτε ο Klimt, και το έργο του, στο σύνολό του, αναμφισβήτητα απολαμβάνει τις αρπαγές της γυναικείας φιγούρας (ο Klimt ήταν ένας διαβόητα ερωτικός άντρας και είχε τουλάχιστον 14 παιδιά στη ζωή του μέσα από κρυφές υποθέσεις).
Στην αυγή του 20ου αιώνα, -αν και αμφιλεγόμενος- προσπάθησε να ανυψώσει τις αναπαραστάσεις των σαρκικών απολαύσεων στην κατάσταση του πνευματικού. Η Judith του 1901, για παράδειγμα, απεικονίζει την αρχαία Εβραία ηρωίδα, όχι με τη βίαιη σωματικότητα του καβγά της με τον Ολοφέρνη, αλλά σε μια στάση αχαλίνωτης αισθησιακής κατάκτησης.
Gustav Klimt, Judith (1901). Βρέθηκε στη συλλογή της Galerie Belvedere, Βιέννη. Φωτογραφία από Fine Art Images/Heritage Images μέσω Getty Images
Ο πιο διάσημος πίνακας του, The Kiss (Lovers) (1907–1908), επίσης, προκάλεσε διαμάχες με απροκάλυπτες νύξεις σε θρησκευτικές εικόνες, ενώ εξυμνούσε όχι τον Θεό, αλλά τον άνδρα και τη γυναίκα. Κοιτάζοντας προσεκτικά τα ενδύματα του άνδρα και της γυναίκας στο The Kiss, παρατηρεί κανείς ότι ο Klimt χρησιμοποίησε χρυσό για να δημιουργήσει όρθιες, ευθύγραμμες φόρμες στην ανδρική ρόμπα, που προσφέρουν μια αρσενική αντίστιξη στις στροβιλιζόμενες, ωοειδείς μορφές στο γυναικείο φόρεμα (Ο Klimt γοητεύτηκε από το μικροσκοπία στη βιολογία, κύτταρα και γονιμοποίηση, η οποία ερευνήθηκε εντατικά από επιστήμονες των αρχών του 20ου αιώνα).
Dome of Secession Building, Βιέννη. Φωτογραφία από τον Chris Hellier/Corbis μέσω Getty Images.
Ο χρυσός ως «αντικείμενο» της τέχνης
Ενώ ο Klimt μπορεί να είναι ο ζωγράφος της Απόσχισης της Βιέννης πιο βαθιά συνδεδεμένος με τον χρυσό, σίγουρα δεν ήταν ο μόνος καλλιτέχνης που συνεργαζόταν με το μέσο. Οι κορυφαίοι καλλιτέχνες του Secession, ο Koloman Moser, γραφίστας και ζωγράφος, και ο αρχιτέκτονας Josef Hoffmann ίδρυσαν το Wiener Werkstätte το 1903. Ένας παραγωγικός σύλλογος, η Wiener Werkstätte συγκέντρωσε δημιουργικούς από διάφορους κλάδους για τη δημιουργία χρηστικών αντικειμένων από δερμάτινα είδη έως κοσμήματα. Τα χρυσά και επίχρυσα αντικείμενα και λεπτομέρειες ήταν αρκετά δημοφιλή.
Ο χρυσός εμφανίστηκε εξέχουσα θέση στο Secession Building στη Βιέννη, σχεδιασμένο από τον Joseph Maria Olbrich, το οποίο χαρακτηρίζεται από τον μοναδικό θόλο με επιχρυσωμένο φύλλο. Στους πίνακές του, ο Klimt με τον χρυσό προσέδωσε στους πίνακές του μια αντικειμενική ποιότητα - το χρυσό έργο συμπίεσε αμέσως το επίπεδο της εικόνας ενώ παράλληλα έδινε στον καμβά μια γλυπτική, όμοια με κοσμήματα ποιότητα. Με αυτόν τον τρόπο, η αγκαλιά του Klimt από το χρυσό έφερε τα έργα του σε συνομιλία με τους καλλιτέχνες σχεδιασμού και διακόσμησης της εποχής του και αντανακλούσε τις πολύ σύγχρονες ευαισθησίες των καλλιτεχνών του Vienna Secession.